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Navigating and Creating
CSEA Online Exhibition July – October 2021
Artists, educators and students have been turning to new and old practices of creating as part of navigating the past year, and its realities brought about by the Coronavirus pandemic. To help us, art has been at the forefront of navigating the sudden and dramatic changes in working conditions, everyday living, and relationships with self, other and community. News broadcasts have shared images and stories of musicians performing from balconies, and school children hanging painted rainbows in windows. Creating art has been essential to navigating these times of intensified change in which current comprehensions, facets, and facts of existence, no longer work.
Julie Etheridge, curator of this exhibit has selected a group of Canadian artists whose artmaking reflects how creating always involves navigating amidst uncertainty. The contributions in this exhibit are a form of mapping that criticizes cartography as an instrument of settler colonialism and offers instead, navigations that help people determine where they are, who/what else shares that particular place, some impetuses to continue to move forward in the midst of uncertainty and realizations that individuals are not totally in control of their destinations nor their pathways. Some of the themes that the exhibition artists find themselves navigating include a sharpened sense of aloneness in one’s isolation, as well as an increasing ecological realization of the intensity and breadth of interrelatedness.
The first theme of pervasive feelings of aloneness involves heightened self-awareness, often producing anxiety as well as an increased awareness of the fragility of things including the fragility of being human. There are increased efforts for recognition, remembrance, solidarity and cooperation. Both fear and compassion loom large as people grapple with deeply unsettling sensations of stress and loss. Observations are noted, of increasingly polarized global thinking, politics, and discourse, in a world moving rapidly towards closer surveillance, amplified intolerance and more stringent censorship. New daily mannerisms such as constant sanitizing, social distancing and donning of personal protective equipment feel constricting and oppressive. Alongside these feelings, a need for connection to fellow educators and with students is emphasized and related more intensely to the current added stress for teachers and the importance of emotional, psychological, physical and social well-being for teachers, students and parents. The sum of these experiences becomes vicariously one’s own, adding to our understanding and feel for surviving and thriving in each various location and time.
In the midst of forced isolation, quarantines, travel bans and cancelled plans, these artists map realizations of how the time alone often wished for, is not the same as the time alone that is currently prevalent. A different form of time has emerged: it’s incohesive and offers a different rhythm to everyday life. Past memories seem to produce wrinkles that allow inventive access from one dimension into others and there is a blurriness to these dimensions. The past registers as never entirely finished, the future indeterminate but hopeful, while the present, presents itself in more pedagogical vigour. The exhibition artists demonstrate increased realization of the ways in which pedagogy is a force already at play in the world (Ellsworth, 2005). In this realization, the second theme arises in the artists’ work and this involves noticing the world in novel ways and seeking to learn from nature, the physical world and other species.
Waterfalls, bark, mountains and tree roots seem to have something to teach us about adversity. There is an awareness that humans are not the only ones on the planet and perhaps we are, after all, the slowest learners of change. Attuning to nature’s creative processes and the resilience of other species in the midst of adversity and harsh environments is important in terms of pressing on with courage and determination. There is new mapping of relations with lakes and trees, gutted cars and wrecks, in ways that teach humans something about reacting to internal and external stresses and about exchanging experience and knowledge across social domains. The mapping encourages more thoughtful social accountability. Creative navigating seems to harbour its own realities in the artmaking so that becoming familiar with oneself in one’s place and time is to actually navigate oneself into becoming part of it.
The exhibition artists are also more aware of the objects in their lives. One does not have to go outside to learn from nature. The materials and flows that compose cities and homes involve constant coexistence with colours, textures and substances that are material traces of geological actors (Ellsworth & Kruse, 2011). This attention to an ever-expanding and more interrelated present involves a stretching that sometimes results in discomfort, sometimes even pain. Realizations are indicated, of the impact everyday actions make on other times and places, for example the immediate need for collective inventions to address the new problem of the hundreds of thousands of polypropylene masks disposed of every single minute.
Art objects and materials used in the exhibit’s artworks are significant to each artist expression. They contribute to the meaning and emphasis that is being communicated. Woven cartographic tapestry weaving, needle-punched entwined constructions, embroidery thread and faux leather, wet felted wool, sublimation dyed jersey, wearable performance garments, sacred threads, cotton t-shirts, knitted tea cozies, and dance encounters indicate interest in fabric, texture, skin, touch, and spirituality. Photography, hand-crafted gelatin-silver archival prints, digital photographs, unprocessed lumen prints on recycled photo paper, Go-Pro images overlaid in postproduction, video, and film work, offer technologies of intwined messages and modes by which one comes to know the world by knowing themselves in a particular place. Other materials used include dried flowers, flower garlands, pencil crayons, ink wash, alcohol ink, gold leaf, oil and acrylic paint, mala beads and birch panel, in both mixed media compositions and collages. Each contribution is a unique ‘traverse’ through the past year and each sustains the powerful forces of connection that keep us creating, engaging and learning from one another.
The curator wishes to thank the participating artists for their support and co-operation in providing works and images that communicate this wide and wonderful artistic mapping of creative navigations through a radically difficult year.
References
Ellsworth, E. (2005). Places of Learning: Media, pedagogy, architecture. NY: Routledge.
Ellsworth & Kruse (2011). Geologic city: A field to geo-architecture of New York. NY: Smudge Studio
Exhibition Statement by Valerie Triggs,
University of Regina, SK.
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Naviguer et créer
Exposition virtuelle de la SCÉA – juillet à octobre 2021
Artistes, éducateur·rice·s et étudiant·e·s se sont tourné·e·s vers des pratiques établies et inédites en termes de création pour s’adapter aux nouvelles réalités de la pandémie de coronavirus depuis les douze derniers mois. Véritable outil de soutien, l’art a été un chef de file dans la gestion des changements soudains et importants au niveau des conditions de travail, de la vie quotidienne, et des liens avec soi, autrui et les communautés. Les bulletins de nouvelles ont partagé des récits et des images de musiciens jouant sur des balcons et d’enfants d’âge scolaire apposant des arcs-en-ciel aux fenêtres. La création artistique a été indispensable pour naviguer en cette ère de changements intensifs, où les règles ordinaires de compréhension, de circonstances et de réalités de vie ne s’appliquent plus.
Julie Etheridge, curatrice de cette exposition, a sélectionné un groupe d’artistes canadien·ne·s dont la création artistique reflète à quel point créer implique systématiquement de faire face à l’incertitude. Les contributions offertes dans le cadre de cette exposition constituent une sorte de représentation critique de la cartographie comme instrument du colonialisme des pionnier·ère·s. En lieu et place, elles proposent des modes de navigation pour aider les gens à établir leur identité et découvrir avec qui ou quoi ils partagent un espace donné. Les contributions offrent aussi des incitatifs pour avancer malgré l’incertitude ambiante et des postulats voulant que les individus n’aient pas le plein contrôle de leur destination ni de leur cheminement. Parmi les thématiques abordées par les artistes dans le cadre de cette exposition, notons un sens aigu de la solitude au cœur de l’isolement et le constat écologique croissant de l’intensité et de l’envergure de l’interdépendance.
La première thématique du sentiment envahissant de solitude implique une prise de conscience de soi aigüe, souvent source d’anxiété et de sensibilisation accrue à la fragilité des choses, y compris la vulnérabilité de l’être humain. L’on note toutefois des efforts redoublés en termes de reconnaissance, de souvenir, de solidarité et de coopération. Peur et compassion sont au premier plan tandis que les gens apprennent à gérer leur sensation de stress et de perte. L’on dénote une polarisation exacerbée des politiques, des raisonnements et des discours généraux dans cet univers qui s’oriente rapidement vers une surveillance de plus en plus étroite, une intolérance accrue et une censure sans cesse plus stricte. De nouveaux maniérismes quotidiens dont la désinfection constante, la distanciation sociale et le port d’équipement de protection individuelle semblent contraignants et oppressifs. Parallèlement à ces sentiments, le besoin de connecter avec des consœurs et confrères d’enseignement ainsi qu’avec étudiantes et étudiants, si intimement lié au stress accru chez les membres du personnel enseignant et à l’importance du bien-être émotionnel, psychologique, physique et social des enseignant·e·s, des étudiant·e·s et des parents, est mis en évidence. Par procuration, nous faisons nôtre la somme de ces expériences, ce qui améliore notre compréhension et urgence de survivre et de prospérer, en tout temps et lieu.
Dans ce contexte de confinement forcé, de quarantaine, d’interdiction de voyager et de plans annulés, ces artistes nous font réaliser que le temps de solitude si souvent souhaité ne correspond en rien aux périodes d‘isolement qui prévalent aujourd’hui. Une notion différente du temps est apparue et qui, sans cohésion aucune, dénature le rythme de la vie quotidienne. Les échos de la vie antérieure forment des rides qui constituent un portail inédit entre cette dimension et les autres, par ailleurs floues. Si le passé nous semble non abouti et l’avenir indéterminé mais plein d’espoir, le présent annonce un nouvel élan pédagogique. Les artistes participant à cette exposition nous font réaliser, plus que jamais, à quel point la pédagogie est d’ores et déjà une force active au sein de notre monde (Ellsworth, 2005). C’est d’ailleurs ici qu’émerge la deuxième thématique inhérente aux œuvres de ces artistes, fondée sur de nouvelles perceptions de notre univers et l’importance d’apprendre de la nature, du monde physique et des autres espèces.
Chutes d’eau, écorce, montagnes et racines arboricoles, semblent avoir des choses à nous enseigner sur l’adversité. Nous prenons conscience que l’être humain n’est pas seul sur la planète et que nous sommes peut-être les plus lents à nous adapter au changement. S’harmoniser au processus créatif de la nature et à la résilience des autres espèces, face à l’adversité et à des environnements rudes, est indispensable pour faire preuve de courage et de détermination. Une nouvelle schématisation des liens avec lacs et arbres, voitures éviscérées et accidentées, permet à l’être humain d’apprendre à réagir aux facteurs de stress internes et externes, et à partager expériences et connaissances entre les différents registres sociaux. Cette nouvelle cartographie favorise une responsabilisation sociale davantage réfléchie. La navigation créative semble avoir ses propres réalités en termes de production artistique. Ainsi, apprendre à se connaître soi-même, en un temps et un lieu donnés, revient à naviguer pour s’y intégrer.
Les artistes qui participent à cette exposition sont aussi plus conscient·e·s des objets de leur quotidien. Il n’est pas nécessaire d’aller dehors pour apprendre de la nature. Les matériaux et flux qui forment les villes et les foyers impliquent une cohabitation constante avec couleurs, textures et substances, vestiges des acteurs géologiques (Ellsworth & Kruse, 2011). Cette attention portée à un présent en constante expansion et toujours plus interdépendant, exige une adaptation parfois inconfortable, voire douloureuse. Les réalisations sont indicatives de l’impact des actions de tous les jours sur les autres instants et lieux, par exemple la nécessité d’inventions collaboratives pour s’attaquer à la nouvelle problématique des centaines de masques de polypropylène jetés à chaque minute.
Les objets d’art et matériaux intégrés aux œuvres d’art exposées sont lourds de sens vis-à-vis l’expression de chaque artiste. Ils contribuent à l’idée maîtresse et au sens communiqués. Tissages-tapisseries cartographiques, constructions entrecroisées à l’aiguille, fil à broder et faux cuir, laine feutrée mouillée, jersey teint par sublimation, vêtements de performance portables, fils sacrés, t-shirts de coton, couvre-théières tricotés et rencontres de danse, témoignent de l’intérêt pour les tissus, les textures, la peau, le toucher et la spiritualité. Photographie, épreuves d’archives à la gélatine argentique faites à la main, photographies numériques, épreuves lumen non traitées sur papier photo recyclé, superposition d’images Go-Pro en postproduction, et œuvres vidéo et sur film, proposent des technologies basées sur l’entrecroisement de messages et de modes, par lesquels l’on apprend à connaître le monde en se connaissant soi-même, en un lieu donné. Parmi les autres matériaux, notons des compositions et collages multimédias regroupant fleurs séchées, guirlandes de fleurs, crayons graphiques, crayons de couleur, lavis à l’encre, encre à base d’alcool, feuille d’or, peinture acrylique et à l’huile, perles de mala et panneaux de bouleau. Chaque contribution est une « traversée » de l’an dernier qui souligne la puissance de la connexion qui nous incite à créer, à s’impliquer et à apprendre les un·e·s des autres.
La curatrice souhaite remercier les artistes qui participent à cette exposition pour leur soutien et leur collaboration relativement à la soumission d’œuvres et d’images qui illustrent ce vaste et magnifique mappage artistique de la navigation créatrice au cours d’une année plutôt difficile.
Références
Ellsworth, E. (2005). Places of Learning: Media, pedagogy, architecture. NY: Routledge.
Ellsworth & Kruse (2011). Geologic city: A field to geo-architecture of New York. NY: Smudge Studio
Énoncé d’exposition de Valerie Triggs, Université de Regina, Saskatchewan.